Justine Bougerol

L’épave d’un voilier, un vaste paysage polaire en arrière-plan, et un équipage de survivant·e·s désespéré·e·s. S 62° 58′, W 60° 39′ commence par une condition irréelle et effrayante pour les survivant·e·s: celle de devoir survivre, de retrouver la vie qu’iels connaissaient. Il n’est pas clair comment iels se sont retrouvés dans cette situation. Leurs coordonnées GPS – S 62° 58’, W 60° 39’ – indiquent leur emplacement précis dans les eaux de l’Arctique de l’île de Déception. Mais avant qu’on obtienne des réponses, un acteur s’adresse au réalisateur. L’histoire se dénoue pour révéler autre chose, un traumatisme délicat qui a alimenté l’œuvre du metteur en scène, un traumatisme que les acteur·rice·s ne veulent plus interpréter.

Dans la toute nouvelle création de Franck Chartier, c’est la fragilité qui se trouve au premier plan. Une quête de vérité et d’émotions authentiques pousse tout le monde au-delà de ses limites. Les interprètes exhibent leurs émotions et leurs vies, mais luttent également contre l’instigation du réalisateur d’aller encore plus loin. Après des années de sacrifice, volontaire ou forcé, iels commencent à se demander ce qui se passerait s’iels refusaient. La disparité entre fiction et réalité se dissout, dans une tentative d’échapper aux cycles vicieux de la violence. Les acteur·rice·s tentent de mettre en scène une révolution, une fin à tout, un nouveau départ. Mais cela, cette fin et ce nouveau départ, pourrait tout autant être une autre œuvre de fiction.

Dans un processus continu de réarrangement et répétition du traumatisme, dans un paysage arctique impitoyable, S 62° 58′, W 60° 39′ aborde de nouvelles discussions sur ce que nous voulons créer sur scène en ce jour et en cette époque. Est-ce le seul moyen de digérer nos traumatismes? Quelle poésie voulons-nous engendrer? Quel message? Ou bien devrions-nous, en fin de compte, arrêter de créer pour de bon? Le réalisateur devrait-il tout lâcher?

didon & énée est le premier opéra de Peeping Tom. Cette pièce est créée pour le Grand Théâtre de Genève. Dans l’univers de Peeping Tom, les relations entre les êtres qui habitent le plateau sont l’excuse d’autant de voyages à l’intérieur des corps et de l’esprit. Zooms et dézooms nous emmènent d’un monde des impressions microscopiques à celui macroscopique de sentiments grands comme… comme la plus difforme des réalités superlatives. Ce monde psychique et émotif, aux règles à la fois strictes et organiques, sera amené, pour la première fois dans le parcours du collectif, à rentrer dans le cadre de la scène de l’opéra.

Kind est le troisième volet d’une trilogie familiale qui a débuté en 2014 avec vader, dirigé par Franck Chartier, suivi par moeder de Gabriela Carrizo en 2016.

Le point de vue de l’enfant et le zoom sur le monde intérieur et extérieur des enfants constituent la base de Kind. Les actions sont guidées par la façon dont les enfants perçoivent le monde, par leurs peurs et leurs désirs.

Plutôt qu’une représentation littérale du passé, les souvenirs sont souvent truffés d’erreurs et sensibles à la distorsion. Si l’on pense parfois pouvoir se remémorer parfaitement quelque chose, le passé est souvent interprété à la lumière du présent et même du futur que l’on espère. Cette œuvre de Franck Chartier est dans le prolongement de la pièce précédente de Gabriela Carrizo, de la compagnie Peeping Tom, avec the missing door, sauf que cette fois nous sommes dans une chambre d’hôtel, ou sur un navire en mer, un espace ambigu qui allie liberté et détention. Dans un labyrinthe de chambres et de couloirs, the lost room dévoile plusieurs histoires en même temps. Les personnages y semblent exister en tout temps et en tout lieu, à la fois intemporels, infinis et sans limites ; une nostalgie mélancolique du futur.

the hidden floor est une nouvelle création de Franck Chartier avec l’ensemble des danseurs du Nederlands Dans Theater NDT1. Cette pièce constitue le troisième acte d’une trilogie dont the missing door (Gabriella Carrizo, 2013) et the lost room (Franck Chartier, 2015) sont les deux premières parties.

​Cette nouvelle création courte poursuit l’exploration de thèmes exploités dans les deux volets précédents : la mémoire, le jeu avec une ligne de temps rompue. Les personnages se retrouvent dans un espace public, un restaurant, repris par la nature. Ils vivent leurs derniers moments tandis que l’eau menaçante monte lentement. Attachés à leurs derniers espoirs, ils tentent de survivre et de s’échapper, physiquement et mentalement.

En explorant le mythe de Lilith, considéré comme l’un des premiers mythes de révolte féminine, la chorégraphe Marion Blondeau et le metteur en scène Ahmed Ayed imaginent une performance à la croisée de la danse, des arts plastiques et de la création sonore. Venu questionner les domestications imposées aux corps féminins et les conditionnements d’une sexualité objectivée par le paradigme hétéropatriarcal, la création lilith est un rituel. Il opère dans un mécanisme permanent de transformations où des états de corps prennent vie par évocations – animales, machiniques, organiques. Le corps tour à tour contorsionné, désarticulé, augmenté, erre et bascule vers des transfigurations troublantes et dissonantes.

ici commence le pays de la liberté imagine que notre paysage mental – nos pensées – c’est comme un pays. Celui de nos sensations, de nos réflexions et de nos projections.  Ça donne un pays par personne. Et le monde est rempli de tous ces petits espaces qui imaginent seulement depuis chez eux ce qui se passe dans le pays des autres. 

Dans ici commence le pays de la liberté, trois personnes sont bloquées au fond d’un silo à grains médiéval. Le silo se trouve dans un village, situé dans une région où l’on voit des mésanges. C’est le jour de la fête de l’arbre de mai, mais cette année, entre la levée de l’arbre par les hommes et la danse folklorique par les femmes et les enfants, un comédien a été embauché pour proposer une petite reconstitution historique.
Histoire de dramatiser le sens de cette fête, de rendre le moment plus solennel. Mais personne du village n’a vraiment été prévenu.

Il a pris du temps. Il n’a pas très bien joué et tout le monde a commencé à s’impatienter. Les enfants, surtout, qui avaient très envie de commencer à danser.

Découvrant Alger, Salim Djaferi explore les librairies en vain : aucun rayon sur la Guerre d’Algérie. Jusqu’à ce qu’une libraire lui signale : «Les ouvrages sur la Guerre d’Algérie se trouvent au rayon Révolution.» Évidemment : en Algérie c’était une Révolution, pas une guerre ! Qui choisit les mots pour qui ? Recouvrent-ils les mêmes faits ? Cette prise de conscience a déclenché une quête et une enquête, sur les mots relatifs à cet écart des langages. De rencontres en anecdotes, koulounisation se nourrit des histoires des autres, et des mots qu’ils emploient pour raconter ces histoires.

Léon et Léonie forment un couple surprenant, tragi-comique, décalé et poétique. Ces deux personnages imaginés par Brel dans son film Franz sont incarnés à l’écran par Barbara et Brel lui-même. Le film a été la première source d’inspiration pour créer les images du spectacle musical léon & léonie. De même que la caméra de Brel transformait le décor réaliste des lieux de tournage en paysages oniriques et picturaux, nous nous trouvons ici face à un lieu surréaliste indéfinissable. Les éléments principaux, hauts rideaux, néons, ventilateur, plantes, placent les personnages dans une de ces grandes salles polyvalentes qui accueillent noces et banquets. Mais le faux gazon qui recouvre le sol vient créer un décalage, une atmosphère étrange, proche des tableaux de Magritte et de ses fascinants contemplateurs…

Pas de réalisme donc, dans le fil conducteur de ce spectacle. Dans ce lieux bizarre, un personnage muet (Mathieu Romano) imagine de multiples histoires de couples, s’échappant dans leurs rêves, leurs souvenirs, leurs désirs.

Quelque part dans l’océan Indien, une jeune femme se noie. Ses forces l’abandonnent mais sa pensée, tel un animal sur le point de mourir, se cambre : dans un ultime sursaut de vie et de révolte, la naufragée convoque, dans un monologue étourdissant, les souvenirs de sa courte vie…

Se sachant condamnée, elle n’existe plus que par ses mots. Les pieds dans l’eau, la tête dans les souvenirs, elle parlera tant qu’elle aura du souffle. anguille sous roche, si incarnée, devient une langue. Une langue à part, une langue qui dérive volontairement, une langue qui vous attrape puis qui vous laisse sur le bas côté, avant de vous reprendre quand vous vous y attendez le moins.

Figure magnifique, anguille ouvre les méandres de sa conscience à l’instant où elle va sombrer, dans un univers mental sans limites, un océan.